Dibujo profundidad y luz

Un tema muy a tener en cuenta para los principiantes o aficionados a la pintura es el cómo conseguir profundidad en los paisajes de una forma natural, o mejor dicho, cómo hacer que se vea de forma natural la profundidad en los paisajes que desean pintar.

No es extraño el trabajo que bien resuelto de color y dibujo no ofrece sensación de profundidad, como tampoco lo es el que no lo consigue por un tratamiento inadecuado de solo el color, o porqué no, por una simple falta de perspectiva, un exceso de detalle en los últimos planos o por una simple y errónea composición. Es decir, conseguir profundidad o representarla en un paisaje no depende de un solo factor, son varias las “técnicas” las que producen en pintura este efecto visual de distancia y alejamiento, circunstancias todas ellas conocidas de forma individual pero que es difícil encontrar bien trabajadas en conjunto en la mayoría de los trabajos de los que se inician en pintura.

En este artículo voy a tratar de definir cada una de estas “técnicas” sólo para que conozcáis cuáles son, y me voy a centrar en una de ellas en concreto siguiendo mi línea en el blog, “EL COLOR Y LA PROFUNDIDAD EN PINTURA”.

TECNICAS MÁS COMUNES PARA CONSEGUIR EFECTO DE PROFUNDIDAD:

Las distintas técnicas que se suelen utilizar en pintura para conseguir un efecto visual de distanciamiento o profundidad en el plano, han ido apareciendo sucesivamente a lo largo de la historia a modo de evolución progresiva hasta llegar a nuestros días donde se suelen utilizar, como antes dije, de modo conjunto en la pintura contemporánea. Vamos a verlas por orden cronológico a su aparición en la historia del arte.

1ª.- UBICACIÓN EN LA COMPOSICIÓN: En la Baja Edad Media, el efecto de lejanía era resuelto tan solo por medio de la composición. Los objetos, cosas, o elementos de un paisaje se iban ubicando en la obra de arriba hacia abajo y de más lejano a más cercano en el plano, es decir, colocaban las cosas alejadas en la parte superior de la obra y las cercanas en la inferior. No había pues ningún tratamiento distinto en unas u otras por el solo hecho de la distancia, todo se circunscribía a la composición y distribución de lo representado por su ubicación en el “soporte”.

2ª.- PERSPECTIVA: A mediados del siglo XV, y de la mano de Piero Della Francesca y de Filippo Brunelleschi, se desarrolla y codifica la perspectiva transformándola de una mera intuición en una auténtica teoría matemática que por si sola consigue representar la distancia y lejanía de los elementos del paisaje. El color y detalle de los distintos planos sigue siendo uniforme pero la perspectiva insinúa por sí sola distanciamiento y mayor sensación de realismo tridimensional.

3ª.- PERSPECTIVA DEL COLOR Y PERSPECTIVA MENGUANTE: Es a finales del siglo XV y principios del XVI cuando Leonardo Da Vinci perfecciona el concepto de perspectiva en pintura ampliándola a lo que se conoce como la perspectiva del color, que consiste en difuminar el color al aumentar la distancia, y la perspectiva menguante consistente en que los elementos u objetos van perdiendo nitidez con la distancia.

4ª.- EL CLAROSCURO: En el Barroco se impone otro concepto para obtener volumen y profundidad, “el claroscuro”. De esta forma, los objetos conforme son más cercanos están a la vez más iluminados y los más alejados se mantienen en mayor oscuridad. Es un efecto visual propio del volumen obtenido mediante la iluminación pero en este caso, no de un objeto, sino de una escena.

5ª.- LA SUPERPOSICIÓN: Colocar los distintos objetos de nuestras obras superponiéndose unos a otros también nos va a crear sensación de profundidad.